La caponnière

L’amitié peut-elle exister entre un homme et une femme ? C’est la question que pose Rob Reiner (à qui l’on doit des films à dimension humaine comme « Stand by me » ou « Princess bride ») et à laquelle il répond. Pour ça, voyez le film. Harry et Sally, eux y croient dur comme fer. Ils se rencontrent une première fois alors qu’ils sont étudiants et ce n’est pas l’harmonie parfaite. Cinq ans plus tard, ils se rencontrent à nouveau. Sally est amoureuse d’un jeune cadre présentant bien. Harry prône les aventures rapides et le cynisme mysogine. Encore cinq ans plus tard, ils se retrouvent et en ont pris tous les deux plein la figure avec leurs échecs conjugaux respectifs. Et ils décident de faire copain-copain, de tout se raconter, de se soutenir dans l’épreuve, de se consoler… Rob Reiner et sa complice, la scénariste Nora Ephron, se sont basés sur les propres aventures et mésaventures de leurs couples pour imaginer cette carte du tendre drôle et sentimentale, pleine d’émotions et d’humour. Il faut voir comme Sally mime l’orgasme en plein restaurant ! Meg Ryan et Billy Crystal constituent un couple qu’on aimerait rencontrer dans la vie. Rob Reiner a réussi à mettre en film la vie pleine de plaisirs simples, de petites joies, de pleurs et de fous rires. Un moment de cinéma où l’on se reconnaît tous.

La voce della luna

Le voyage ne ressemble à rien de connu. Bienvenue dans l’univers de Fellini : un monde où les marchands de drogue télévisuelle côtoient la blonde Aldina et son escarpin d’argent, belle comme la lune ! Et le maestro Federico nous donne pour guides deux étonnants comiques italiens, Benigni et Villagio. « La voce della luna », présenté hors compétition au récent Festival de Cannes, est la rencontre de Federico Fellini avec un livre, «Le poème des lunatiques », un roman fou, foisonnant, inadaptable au cinéma sauf par Fellini qui y a trouvé le prétexte à nouveaux personnages et nouveaux délires. En conséquence, «La voce della luna » est une histoire, sans intrigue centrale, sur le thème de la folie. Avec des moments sublimes et d’autres où le bric-à-brac fellinien ne trouve pas toujours son homogénéité. Mais Fellini insuffle au film ce qu’il sait le mieux raconter : ses souvenirs d’enfance de petit garçon passant ses mois d’été dans la campagne de la plaine du Pô, chez sa grand-mère Fraschina. «La voce della luna » est un film sur la campagne et les paysans vus autrement, comme un univers absolu peuplé de mythes, de légendes et de souvenirs. Mais ce voyage au pays de la lune est aussi celui qui conduit vers la femme et le cirque. Les inconditionnels de Fellini seront ravis.

Martin (Michel Blanc) vivait tranquille à Londres, où il a épousé une Anglaise gentiment pétulante, Gert. Réveillon fatal : ils rencontrent, au cabaret, un couple bizarre et séduisant. Lui, c’est Francis (Jacques Dutronc), pickpocket et pique-assiette. Elle, c’est Marie (Lio), ravissante brune loin de compter pour des prunes. Ses yeux de velours ont tôt fait de chambouler le pauvre Martin. Le lendemain, il la revoit (par hasard ?). Est-ce donc une histoire d’adultère, de ménage à trois, à quatre ? On aurait tort, avec Jacky Cukier, de se fier aux apparences.

En fait, la grande qualité de « Chambre à part » est de nous surprendre constamment. Le récit bifurque, opère des va-et-vient ironiques et ludiques entre la comédie amère et le drame gai. Le tout en équilibre perpétuellement instable, laissant la porte ouverte à l’inattendu qui « toujours arrive », comme disait Rimbaud. Et quel quatuor magique ! Michel blanc, pathétique et fantaisiste. Lio, petite vamp émouvante qui a bien mûri depuis le Top 50. Dutronc, épave de charme. Frances Barber, frémissante de sensibilité. Ce film, tourné en Angleterre, est une pierre blanche pour le cinéma français.

Aujourd’hui, les magnétoscopes ont presque complètement disparu du marché, pourtant presque tous nos meilleurs souvenirs sont souvent sur des VHS. Ces supports analogiques présentent également quelques désavantages tels que l’usure après certains nombres de lectures, ils craignent également les poussières et l’humidité. Afin de préserver ces précieuses vidéos sur VHS, la meilleure solution reste de les transférer sur un support numérique, que ce soit un DVD, ou un disque dur. Pour ce faire, rien de compliqué, il vous suffit d’avoir quelques outils et le tour est joué. Toutefois, certains supports analogiques comme le VHS sont protégés contre les copies, dans ce cas, il vous faudra faire attention afin de ne pas enfreindre la loi. En outre, une autre question se pose sur la qualité de la vidéo après le transfert cassette sur DVD.

Les avantages du format numérique

Le format numérique présente en effet plusieurs avantages. La qualité de l’image ou de la vidéo ne baissera pas après de nombreuses lectures. Vous allez pouvoir garder plus longtemps les contenus de vos cassettes préférées et les transférer autant de fois que vous souhaitez. Les supports numériques peuvent également recevoir une quantité plus importante de données, ainsi, elle répond parfaitement aux soucis d’encombrement. Ce sont les principales raisons qui nous incitent à copier vhs sur dvd.

Comment les transférer

Deux solutions peuvent se présenter en matière de numérisation de cassettes video en DVD. La première consiste à numériser vos bandes VHS sans carte d’acquisition. L’opération se fait par l’intermédiaire d’un graveur DVD de salon et quelques DVD vierges. Les étapes à suivre sont pratiquement plus faciles, il vous suffit de relier le magnétoscope au graveur par un câble péritel. Vous feriez de même pour la sortie TV, ainsi vous pourriez visualiser l’avancement de la gravure sur l’écran. Il ne vous reste plus que de charger la VHS et insérer le DVD dans le graveur. Aucun réglage n’est requis et la qualité d’image reste le même que sur votre VHS. La seconde méthode peut s’avérer plus compliquée, comme il s’agit de numériser vos bandes VHS avec une carte d’acquisition. Pour ce faire, vous aurez besoin de plusieurs matériels à relier entre eux. Entre autres, le magnétoscope, la carte d’acquisition, les câbles, un ordinateur et le plus compliqué, la manipulation du logiciel de traitement.

En quelques films (« Breakfast club », « La folle journée de Ferris Bueller » ou «La vie en plus»), John Hughes s’est fait le chantre de l’adolescence et des jeunes adultes connaissant des problèmes pour trouver leur place dans la vie. Hughes aime également faire rire aux dépens des adultes, des parents souvent, des tenants de l’autorité (surveillant général de lycée en particulier). Et, dans « L’oncle Buck », il ne s’en prive pas. Cette fois, retrouvant John Candy (son gros interprète d’« Un ticket pour deux), il s’offre le portrait de ce tonton» honte de la famille » comme chacun en cache au moins un dans les feuillages de son arbre généalogique. Bien qu’il ait la trentaine bien dépassée, l’oncle Buck imaginé par John Hughes est un éternel gamin marginal, maladroit et insouciant. Et John Candy donne au personnage beaucoup de folie mais aussi beaucoup d’humanité. Et il fait de ce tonton un célibataire qui s’est un peu enlisé dans ses égoïsmes et ses habitudes, mais qui a un cœur d’or. Et lorsqu’il se voit confier la garde de la marmaille de son frère deux gosses pas faciles et une adolescente de quinze ans mal dans sa peau et revendiquant sa liberté de femme, les premiers contacts sont explosifs. Mais on apprend à cohabiter, en se connaissant mieux. Et Buck a autant à apprendre de ses neveux et nièces que la réciproque. Ce film, sous couvert de comédie burlesque et satirique, est une jolie leçon de morale, de tolérance et de tendresse.

La baule-les-pins

L’été 1958. Le général De Gaulle revient, l’Algérie bouillonne, la Ve République s’installe, mais Frédérique, treize ans, n’en a cure. Entrée par hasard dans la chambre de ses parents, elle les a surpris en pleine crise. C’est avec sa mère seule que Frédérique et sa petite soeur, Sophie, vont partir à la plage, à La Baule-les-Pins. Lena (Nathalie Baye) a décidé de divorcer, et Michel (Richard Berry) le prend très mal. Mais entre la tension de cette scène qui ouvre le film et les éclats des disputes vers la fin, il y a la chronique nostalgique et tendre de ces vacances, gentil au fond. Ah, on n’oubliera pas ce concours de châteaux de sable et cette expédition punitive des gamins justiciers, par qui le scandale arrive à La Baule-les-Pins ! Et le funeste sort des poissons rouges du propriétaire ! Il y a chez Diane Kurys, depuis la révélation de « Diabolo menthe », un don d’observation des gens. On regrette seulement que les raccourcis de son montage sacrifient souvent à la facilité et à la volonté de plaire—elle y parviendrait sans ces artifices.

Au départ, il y a une pièce de théâtre, « Steel magnolias », les magnolias d’acier. Les femmes, quoi. Qui plient mais ne rompent pas. Délicieusement parfumées et incroyablement résistantes. À l’arrivée, le film s’appelle « Potins de femmes », c’est plutôt dur. Décor : une petite ville du sud des États-Unis, ennui à mourir garanti… Comme dans le « Women » de Cukor, seules comptent les femmes.

Une sacrée brochette qui va de Dolly Parton en coiffeuse (moins plantureuse qu’elle ne fut) et de son assistante (Daryl Hannah, enlaidie avec des lunettes et tout) à Olympia Dukakis (la veuve joyeuse) et Shirley MacLaine (la veuve teigneuse), en passant par Sally Field (énergie et émotion à gogo), qui va marier sa fille… et devinez qui est cette jolie débutante ? On ne la connaissait pas quand « Potins de femmes » est sorti, c’est Julia Roberts, la star explosive de « Pretty woman » et de « Flatliners ». Et que font-elles, toutes ces femmes qui se retrouvent régulièrement au salon de coiffure ? Elles causent, elles causent, n’oublions pas que c’est du théâtre. Et le temps passe, et les vies s’écoulent, un vrai soap opéra ! Mariages, baptêmes, enterrements et carnavals ponctuent cette chronique. Résultat : un véritable malheur au box-office (américain). On adore, là-bas, ces performances de comédiennes taillées sur mesure, façon Oscars.

Los Angeles, côté « Down town ». Rien à voir avec Beverly Hills, ses villas de luxe et ses larcins de haute volée.- La violence se conjugue, dans cette partie chaude de la ville, à tous les temps du verbe bastonner, et la police se retrouve le plus souvent incapable de mettre un terme aux débordements en tous genres. Bob Hodges, la cinquantaine, et son jeune coéquipier, Danny McGavin font partie des 250 policiers chargés, à eux seuls, de surveiller quelque 600 gangs des rues qui comptent pas moins de 70 000 membres. Et pour l’instant, la guerre fait rage entre les Blood et les Crisps, deux factions rivales qui essaient de se réduire mutuellement au silence à grands coups de bazookas et autres charges explosives meurtrières. Chargés de rétablir un semblant de calme. Hodges et McGavin se trouvent alors pris entre deux feux.

Énorme succès public aux États-Unis, « Colora «s’inscrit parfaitement dans l’air du temps, tout comme « Easy rider » (réalisé par le même Dennis Hopper il y a vingt ans) était représentatif des six-tics et du mouvement hippy qui s’y développa. Autres temps, autres mœurs. À l’aube des années 90, la violence à l’état brut tient lieu de discours et la formule « no future » remplace désormais les « peace and love » Rien de cela n’échappe à la caméra de Hopper qui filme nerveusement cette guerre des gangs plus proche des « Seigneurs » et des « Guerriers de la nuit «que de « West side story ». Mais la principale force de « Colors » réside d’abord dans l’association Robert Duvall/Sean Penn. L’évolution de leurs rapports est la pièce maîtresse du scénario, sa réussite aussi. A la fois autoritaire et désabusé, fort et vulnérable, Du-sali est extraordinaire

Bonnie And Clyde

A peine libéré de prison, Clyde Barrow concocte quelques fructueux hold-up. Un petit vol de voiture pour garder la forme lui permet de faire connaissance avec la ravissante Bonnie Parker, serveuse et propriétaire du véhicule. Celle-ci s’ennuie et rêve d’une vie moins routinière. Eblouie par son aisance et ses talents de malfrat, elle décide de partir avec lui à l’aventure. Les attaques sanglantes se multiplient et l’équipe s’enrichit rapidement de trois nouveaux membres tout aussi téméraires. Le clan Barrow devient l’ennemi public numéro un du pays et terrasse les patrouilles de police indésirables… Ils sont jeunes, beaux, talentueux et complaisamment amoraux. Ils forment un duo mythique pour un film-culte, sorte d’épopée du vol et de l’audace rythmée par la musique de Charley Strousse. Warren Beatty et Faye Dunaway sont simplement exceptionnels dans ce film qui les rendit célèbres à Hollywood, mais restent encore des phénomènes pour cinéphiles en France. Même Warren Beatty, qui triomphe en ce moment dans » Dick Tracy », n’est pas très connu du grand public. Gageons que son formidable duo avec Madonna redressera la situation.

Le régiment du capitaine Nicholson est capturé par les Japonais à Singapour. Envoyés dans le camp de prisonniers que dirige Saito en pleine jungle birmane, les hommes sont contraints de construire un pont d’une importance stratégique évidente. Nicholson dénonce alors le mépris des conventions internationales dont ses hommes sont victimes. Voyant que la construction du pont n’avance pas, Saito demande de l’aide au capitaine, qui prend aussitôt les affaires en main. Le pont de la rivière Kwaï est achevé à temps grâce à l’efficacité des prisonniers britanniques. Mais la révolte gronde… Sept Oscars, dont celui du meilleur film, couronnèrent le chef-d’œuvre de David Lean (« Docteur Jivago », « Lawrence d’Arabie ») en 1957. Les décors extraordinaires et la reconstitution historique éclatante sont les deux atouts maîtres d’un film auquel personne ne croyait. William Holden a dû se faire forcer la main pour interpréter le rôle décliné par Cary Grant. Alec Guinness (remplaçant de Charles Laughton) manqua, lui, de
quitter le — long (trois mois et demi) — tournage à plusieurs reprises. Plus de trente ans après, cette superproduction hollywoodienne n’a pas pris une ride. Chacun réentendra avec plaisir le chant guerrier des Anglais, digne de celui des sept nains dans» Blanche-Neige »…

La Bête De Guerre

En 1981, un détachement de l’Armée rouge rase un village afghan, massacre les récalcitrants. Un moudjahid est réduit en bouillie par un char, sous les yeux de sa fiancée, sur l’ordre du brutal commandant Daskal. Ceci a le don de mettre en fureur les maquisards du coin, qui se mettent à la poursuite du char coupable. L’engin, qui a des avaries, se traîne comme une grosse bête blessée et traquée, s’égarant sur les pistes hostiles. Dedans, bonjour l’ambiance ! De plus en plus parano, Daskal abat un de se hommes, Afghan collabo en qui il n’a plus confiance. Puis il affronte Koverchenko, intellectuel patriote, mais s’opposant à cette guerre et à ses méthodes. Celui-ci, abandonné en plein désert, rejoindra les résistants pour donner une bonne leçon à l’officier indigne. Le film de guerre n’étant plus à la mode, le conflit afghan a fini par inspirer celui-ci, qui n’est pas soviétique, mais américain. On croirait voir un vieux Raoul Walsh ou Samuel Fuller de derrière les fagots, la violence sanglante en prime. Pas de vedette, une grande économie de moyens, mais une efficacité maximum.

Matamore du folklore prussien, équivalent du vrai Cyrano de Bergerac, le baron de Munchausen, extravagant officier de cavalerie de l’armée de Frédéric Il, fut déjà le héros d’un film de l’époque nazie, fleuron du « merveilleux » cinématographique bourré de truquages. À cœur vaillant rien d’impossible, telle pouvait être déjà la devise de ce hâbleur impénitent, qui était surtout un fameux mythomane ! Parmi ses phénoménales aventures, le combat contre les Turcs, le voyage sur la Lune, la chevauchée du boulet de canon. Le démesuré créateur de « Brazil », Terry Gilliam lui-même, rêvait de tourner sa propre version de « Munchausen ». Projet grandiose, tournage épique, résultat monumental. Tous les studios de Cinecitta furent mobilisés pour cette délirante épopée sur pellicule, avec 250 techniciens, 67 décors différents, 8 000 figurants. Au total, un luxueux album d’images oniriques et allégoriques. Munchausen, c’est John Neville, qui fut Sherlock Holmes dans les années 60. Alors, rien à reprocher à Gilliam ? Si, peut-être : que la délicieuse Uma Thurman ne dévoile pas les non moins délicieux seins qu’elle nous fit découvrir dans « Les liaisons dangereuses » !

La Guerre Des Etoiles

Dans une lointaine galaxie, un quarteron de tyrans fait régner la terreur sur l’empire galactique. Dark Vader est le chef des forces impériales, chargé de veiller au grain. Mais un beau jour, les preux chevaliers du futur, armés d’épées laser, décident de s’opposer aux forces du Mal. Conduite par la princesse Leia, l’équipe s’engage dans l’aventure. Mais la jeune fille est capturée et les deux hommes poursuivent leur mission pour tenter de retrouver le dernier survivant de l’ordre des chevaliers du Jedi. Deux autres « épisodes » suivront : « L’empire contre-attaque » et » Le retour du Jedi ». Les titres de la trilogie de « La guerre des étoiles », jadis vendus en coffret, sont enfin disponibles séparément à la vente. Le concept révolutionnaire du premier film n’est absolument pas démodé aujourd’hui. George Lucas (« American graffiti ») a su réaliser une merveille de référence en matière de science-fiction. Les décors sont grandioses et les effets spéciaux extraordinaires. On se passionne et on vibre du début à la fin. Un grand spectacle servi par d’excellents acteurs avec, à leur tête, le débutant Harrison Ford, qui a fait ses preuves depuis…

Les habitants du petit village d’Ixcatlan sont constamment rançonnés par une bande de truands grossiers. Las de leurs coups de force, les paysans décident de réagir et envoient une délégation de l’autre côté de la frontière avec pour mission d’acheter des armes et de recruter quelques mercenaires pour les défendre. Sept hommes acceptent leur proposition. Sous les ordres de Chris (Yul Brynner), qu’ils choisissent pour chef, ils apprennent aux villageois à se battre et construisent une fortification pour protéger les habitations. La première attaque des bandits se révèle peu efficace… Adaptation grandiose du film japonais» Les sept samouraïs », « The magnificent seven » reste aujourd’hui un des plus grands westerns jamais tournés à Hollywood. Merveille du Technicolor, ce film bénéficie d’un casting qu’aucun producteur actuel ne saurait financer… La pléiade d’acteurs est impressionnante. Tous représentent une caricature différente des « gros durs » de l’époque. Et puis il y a Steve McQueen, Yul Brynner et James Coburn que l’on revoit toujours avec émotion…

Le Banni

Plus que le western qu’il représente, «Le banni» s’impose davantage comme le portrait humoristique d’une amitié naissante. Quatre personnages-clés : Billy the Kid, le shérif Pat Garret, Doc Holliday et Rio, la seule femme de l’équipe. Après qu’il ait abattu un homme et que le shérif l’ait blessé, Billy, aidé de Doc, trouve refuge chez Rio. Celle-ci, maîtresse de Doc, lui même vieil ami de Pat, s’éprend du jeune homme qu’elle soigne un mois durant. Souvent, les liens qui unissent les différents protagonistes paraissent flous, mais chacun finit par trouver sa place. Amour, haine et jalousie sont les trois poutres maîtresses de ce film-comédie. Parfois difficilement crédible, « Le banni » reste cependant un agréable divertissement où l’on rit, certes un peu trop souvent, de situations grotesques. Mais le charme de Jane Russell, alors dans la fleur de l’âge, finit par l’emporter sur le ridicule.